AURA，一个意大利廉价厂牌，以出版RSI电台（瑞士-意大利联合电台）的音乐会现场录音为主。虽然是廉价，但内容与制作素质都甚高，当中有不少大师的精彩现场演奏。

    谢林独奏会，贝多芬：第一小提琴奏鸣曲；勃拉姆斯：第一小提琴奏鸣曲；巴赫：第二无伴奏小提琴组曲（AUR 203-2）

    对手头上拿着的这款谢林在意大利的现场实况，本来并不抱太大的期望，却不想到只听过一遍就对它刮目相看，对谢林的印象也大为改观。

    这个录音究竟有何特别呢？这就得先从谢林的演奏风格说起。众所周知，他为RCA与Philips录过一大批的录音，大都是乐迷十分熟悉的演奏，感觉稳重有余，热情不足。演奏古典派作品还好，但浪漫派的作品就嫌逊色，总令人觉得学究气。尤其是在演奏巴托克、哈察图良等狂野气质的作品时，这种缺点就暴露得非常明显。即使是广获好评的贝多芬“春天”、“克莱采”奏鸣曲，也仅是表现出工整规矩的一面，而不太有贝多芬的幻想与热情。再回过头看这张aura的录音，曲目分别是贝多芬《第一号小提琴奏鸣曲》、勃拉姆斯《第一号小提琴奏鸣曲》、巴赫《无伴奏第二号组曲》。后两个曲目谢林分别在RCA与DG录制过。RCA版是与鲁宾斯坦合作，这里却是与Bagnoli。从两个人合作的整体感觉而言，RCA版是鲁宾斯坦为主导，勃拉姆斯的室内乐钢琴本来就是重点，这本无可厚非，但问题是鲁氏的个性太强，又喜欢抢“戏份”，很多时候甚至盖过了提琴。另一方面，他的演奏风格过于强调阳刚、爽朗的一面，而忽略了勃拉姆斯音乐所应有的那种深沉，因此缺少了勃氏音乐的魅力。在他的影响下整个演奏的基调也显得刚劲有余，含蓄不足。至于谢林的演奏，不得不说这是他所录音较有激情的一次，但仍然存在右手运弓力度层次过于单一的问题（他的很多录音都反映出这个问题），另外揉音也较少变化，如果与海菲兹、梅纽因等版本一比就很明显了。不知什么原因，谢林在录音中很少使用表情滑指。在演奏浪漫派作品时，恰到好处地用一些表情滑音，完全无可厚非，而且是必要的，不然整个音乐就会显得干巴巴，没有人情味。其实谢林的演奏之所以不够动人，部分是出于此。（顺便提一下，当今很多年轻演奏家都有这个问题，总令人觉得左手干净得近乎苍白。从前的老大师有时使用滑音过多显得格调不高，但现在却从一个极端跳到另一个极端，恐怕也不妥）。再听aura的同一曲目，的确耳目一新。不但乐句的塑造更生动、鲜活，连接得更为紧密与流畅，表情也比RCA版丰富了许多。上面提到的运弓与揉音缺少变化的不足之处大大地改善了。弹钢琴的Bagnoli虽然没有鲁宾斯坦的强烈个性，但更注意与提起声部的配合，使两个人的合奏听来更融洽，更自然。而谢林也不需要再与钢琴“竞争”，演奏也从容了许多。总体上这个演奏比RCA版更有音乐味，也使人了解到谢林的面貌（毕竟他的现场录音不多）。接下来的巴赫更精彩，虽然他在DG录下的全套无伴奏评价极高，但是一比就高下立判。第一乐章中DG版只是四平八稳，节奏显得过于呆板，而在现场中，谢林巧妙地运用了微小的、恰到好处的弹性节奏，令整个乐章显得生动许多，而这种生动自第一乐章一直延续了下去。终于到了压轴的《恰空》！我从来没想到谢林会如此的充满激情，不但将结构处理得一气呵成，更有一股压制不住的生命的活力。虽然仍稍逊于米尔斯坦的现场版本，但已足以令笔者对他以前的“学究”印象一扫而光。

    听完这张CD，笔者再一次感觉到，一个优秀的演奏家在现场总比在录音棚好，而想通过唱片去准确评价一个人是太难了！

                                       （张俊斌）

    米尔斯坦独奏会（1957年） 莫扎特：E大调柔板；C大调回旋曲；巴赫：“恰空”；贝多芬：“春天”奏鸣曲；帕格尼尼：第5、第11随想曲；斯特拉文斯基：俄罗斯之歌；里斯：无穷动；帕拉迪斯：西西里舞曲（AUR 121-2） 

    我曾在看了米尔斯坦的LD后，发现自己错误地估计了这位大师，感叹这位大师为什么到了80多岁的高龄，才爆出了火花，原来不是，和海菲茨一样，现场上的米尔斯坦要比录音室内的他热情得多，精彩得多。而且这是53岁时的米尔斯坦。这位大师的巴赫无伴奏是公认的经典，而且他灌了两次，各有千秋。但这次现场上的巴赫“恰空”却使我目瞪口呆，我大概听过所有唱片上的“恰空”，别的版本是各有千秋，但这次的“恰空”却远超过了所有的版本，包括他自己的两次录音。其句子处理的恰当和清晰，其结构上严谨和宏伟，其线条之宽和内声部复调之一目了然都已到了顶峰。这首曲子有3次高潮，演绎者为了显出这点，没次高潮都保留了些，以免后劲不继。米尔斯坦却是毫无保留，一次比一次更高。他的Rubato之运用叹为“听”止，只有兰多芙斯卡可与之比，因为你听不出他在Rubato，这是演绎巴赫最难也是最精彩之处。还有就是他弓子上的功夫。别的演绎者为了强调分句或复调声部，往往是采取把低声部那一个音稍微拖长一点，尤其是在和弦与琶音部分。可是他却能在需要时用完全同等的速度，仅用弓子的控制，突出了那个音，显示出它的复调结构。

    同张CD上的C大调末乐章也是如此，而且速度要比唱片上快得多。这种弓子上的基本功绝不稍逊于海菲茨。最重要的是米尔斯坦手里的巴赫是有血有肉，热情的巴赫，是一位有十几个孩子的慈祥父亲，这是真正的巴赫。同样精彩的是他2首帕格尼尼第五和第十一随想曲。海菲茨只录了第十三、二十、二十四，相信是由于这三首以音乐性最强。但米尔斯坦却能在这两首演绎出了我从未听到过的音乐内涵。不知为什么米尔斯坦不录全24首，如果他肯录的话，不但从演绎上，而且从技巧上也可以把所有的版本打低。米尔斯坦在世时威望声誉不及海菲茨，这是乐史上最大的委屈和冤枉。（郑延益，摘自《春风风人——郑延益乐评集》）

    傅尼埃独奏会（1963年）贝多芬：第二、第三大提琴奏鸣曲，根据亨德尔、莫扎特主题所写的两首大提琴变奏曲（AUR 125-2）

    我一直坚信，现场演出是一位演奏者技术与修养的试金石。我们很难找到特别差的录音棚制作，因为它可以修补。却能碰到不少不怎么样甚至低劣的现场演出。尽管现场演出的实况录音也能修补和重整，但它毕竟较接近真实。在没有很多机会欣赏现场演出的情况下，现场录音这一退而求其次的方法应该能满足我们的需要了。搜集现场录音成了我近年的兴趣所在。本碟是傅尼埃1964年在意大利演出的实况，曲目为贝多芬第二、三大提琴奏鸣曲和两首变奏曲。傅尼埃的演奏风格有点像小提琴家中的大卫.奥依斯特拉赫，同样的宽广、仁厚、温暖，富于人情味但不庸俗。本碟曲目重头戏当在压轴的第三奏鸣曲。在录音室制作中，傅氏有分别与肯普夫、古尔达合作的两个版本，后者评价极高，而在本碟中的演奏，除了其一贯风格外更多了一份自然和生气，气息绵长、亲切而深沉。论技巧，傅氏不算是大提琴家中最顶尖者，但修养与气质使这一瑕疵得到弥补。他的乐风不张扬，但自始至终都在吸引你，值得一提的是本碟的录音，很素，没有加“味精”，琴声真切自然，定位准确，空间感很好，不足的是弹钢琴的琼.方达稍弱些。

    史塔克演奏协奏曲集，肖斯塔科维奇：第一大提琴协奏曲；海顿：C大调协奏曲；库普兰：音乐会组曲（AUR 155-2）

    我是肖斯塔科维奇的乐迷。但对于唱片，却绝不会见到姓“肖”的便买。对于他的作品版本我很挑剔，因为他的作品多数有特定内容，音乐语言独特并带有一定的民族性，至于其深刻的思想内涵更是不在话下。演奏者如没有超群的技巧，过人的洞察力，没有与作者相同或相似的生活经历和精神体验，很难演得到位。这样高的要求，能达到者自然少之又少。

    肖氏的大提琴协奏曲，最佳演绎者自然非罗斯特洛波维奇莫属。所以这个唱片版本的价值主要在史塔克。史氏并非我最喜爱的大提琴家，但我一直注意他的演奏和录音版本，他以技巧著称，地位与小提琴家中的海菲兹相似。许多拉琴的专业人士对他由衷敬佩，而更多的业余爱乐人则觉得他的演奏过于“冷血”。其实他并非不重感情，而只是比较含蓄内在，他非常反感那种张牙舞爪式的所谓热情。也反对过分的自我表现。他重视音准，揉弦很窄，音色集中，密度大，线条清晰，结构紧凑。音乐显得很“瘦”，与一般人印象中大提琴那种低沉、浓烈、肥厚的音色大异其趣。要在他的演奏中感受那种外冷内热的情感的确比听海菲兹还难。而且客观地说，他这种演绎风格与肖氏第一大协要表现的内涵的确有距离，肖氏的作品是个宽广深远的精神世界，深刻的哲理，或压抑或疏狂的情绪，强烈的道注感和顽强的意志力，对黑暗与强权的反抗，戏谑式的嘻笑怒骂，冷嘲热讽构成了作品钻石般的多面体。它要求演奏者用丰富多彩的、强有力的语言去表现。但史氏的演奏较轻松平和，缺乏起伏跌宕的紧张感，也缺乏摇曳多姿的音乐性。以史氏的技巧，这个曲目当然难不倒他，拉起来反显得从容。当然音准是没有问题的，分句得当，结构也合理，就是味道较淡，但毕竟这是个珍贵的历史记录，录音真切自然。这是本碟的价值所在。                  

 （许海峰）

    塞尔金独奏会（1957年）舒伯特：f小调即兴曲；巴赫：随想曲；贝多芬：“热情”奏鸣曲；勃拉姆斯：亨德尔主题变奏曲；门德尔松：引子与回旋随想曲（AUR 124-2）

    这里有最精彩的塞尔金，是高度控制下的白热化的演奏。录音室中的塞尔金是完美主义者，而现场中的塞尔金则是热情洋溢，充满戏剧性感染力的。一开始的舒伯特，用了极快的速度，这首即兴曲别的演奏家一般用7分钟左右的时间，塞尔金却只用了不到6分钟，结果是难得一听的“狂热”的舒伯特。贝多芬“热情”弹得出色是意料之中的，而最精彩的是勃拉姆斯《亨德尔主题变奏曲》，这部变奏曲很容易奏得沉闷冗长，而在塞尔金手下却是光彩四射，每一段变奏都是那么的个性鲜明，对节奏、强弱和音色的对比使各段变奏形成了跌宕起伏而紧密相连的整体，近30分钟的演奏由始至终都充满凝聚力。更令人感觉到，原来这变奏曲与勃拉姆斯几套钢琴小品一样，都反映了作曲家敏感微妙的情感和思绪。最后一首门德尔松，其诗意和灵气都是在塞尔金的录音室制作中罕有的。

    巴克豪斯独奏会（1953、1960年）海顿：降E大调奏鸣曲；贝多芬：“暴风雨”奏鸣曲；肖邦：7首练习曲，降D大调夜曲，降E大调圆舞曲（AUR 119-2） 

    1960年的海顿和贝多芬，巴克豪斯的演奏不会令人失望，但这CD最大的价值，在于7首肖邦的练习曲。巴克豪斯在大多人心目中的形象，恐怕是他后期那些贝多芬、勃拉姆斯等德奥古典作品中的深厚、沉重，而与“生动”、“灵气”等词语是扯不上边的。其实他在30年代就录过很精彩的肖邦练习曲，而这里在1953年现场演奏的几首，也会给对巴克豪斯还没有全面了解的乐迷一个惊喜。节奏生动、技巧精准、诗意洋溢、意境悠远，有德国式的对声部结构的清晰透彻的揭示，但又毫不凝滞，音乐的流动感和韵律感绝不逊色于任何一位“肖邦权威”。唯一可惜的，就是只有7首，太少了！

    阿劳独奏会（1963年）勃拉姆斯：亨德尔主题变奏曲；拉威尔：夜之幽灵；李斯特：音乐会练习曲第二号，美菲斯特圆舞曲第一号；肖邦/李斯特：波兰歌曲第五首（AUR 118-2）  

    阿劳独奏会（1971年）贝多芬：第十三钢琴奏鸣曲；李斯特：B小调奏鸣曲；肖邦：叙事曲第四首，B大调夜曲；谐谑曲第一首（AUR 182-2） 

    阿劳早年是一位以技巧犀利火热见长的演奏家，到60年代左右开始向追求深刻内涵和思想性（也就是大多人熟知的“阿劳风格”）的风格转变，之后他才被认同为世界一流钢琴大师。63年的独奏会，属于他的“转型期”，将这里的《亨德尔主题变奏曲》与上述塞尔金的演奏对比，差异是十分明显的：阿劳没有塞尔金那种光彩感，对比幅度也较小，他是一种较为内向的演奏，追求淳厚、宽广、更具文化意蕴的表达方式。也许是“转型期”未能完美地平衡各方面因素，技巧的准确性方面就有了瑕疵，如在第一变奏就出现了明显的错音。

    到了71年，阿劳已经是一位真真正正的大师了，内涵的表达、技巧的运用都已经达到理想的境地。贝多芬的13奏鸣曲，是笔者听过最精彩的演奏之一，将这首“幻想曲风”奏鸣曲的结构统一感和“幻想风”意味平衡得极好。李斯特的奏鸣曲也比他的录音更加精彩，是“思想型”的李斯特风格之典范，气魄、深度都要比布伦德尔强。

    安切尔指挥捷克爱乐乐团（1958年）斯美塔纳：《被出卖的新嫁娘》序曲；德沃夏克：“新世界”交响曲；莫索尔斯基：图画展览会（AUR 151-2）

    相信不少乐迷与本人一样，对新世界这样被奏滥了的曲子，若非实在出色拔尖的演奏，着实难以提起兴趣去听的。而这个安切尔指挥捷克爱乐的录音，就属于极少数最能打动人的演绎之一。笔者并非迷信捷克指挥家、捷克乐团演奏德沃夏克，如纽曼指挥同一乐团的录音，在笔者听来虽然也算是风味地道的“好”演奏，但也仅是“好”而已，和其它的杰出版本相比，未见突出。但安切尔的“新世界”比纽曼要强得多了，真诚而投入感十足的演出令人一听动容。若论灵感和个性化的处理手法，并不比克尔提斯（维也纳爱乐）和弗里乔伊（柏林爱乐）来得多，但就是一种纯朴真挚的方式，奏出了与前两者同样激动人心的效果。

    近两年，AURA也加入到翻出“古董录音”的行列，既有78转的正式录音，也有一些历史现场录音。前者如科尔托的肖邦、拉赫马尼诺夫演奏自己的独奏作品、梅纽因少年时期的录音等等，笔者决得没必要多说了。而现场录音就有不少难得一见的好东西。

    卡拉扬指挥普鲁士国家歌剧院（即如今的柏林国家歌剧院）乐团的贝多芬“英雄”（1944年现场录音，AUR 256-2） ，让大家见识一下卡拉扬的“青春岁月”。这个“英雄”与卡拉扬后来的录音差别是比较明显的，是一种较为清新自然、步调从容的风格，更有与其年龄相称的青春朝气，而没有后来的匠气。想到当年乐坛的主流还是以富尔特文格勒为代表的较为浓重强烈的表现方式，卡拉扬的这种风格在当时应该算是“前卫”了。听了这个录音，联想到卡拉扬的“对头”切利比达奇由早年的激动火热到后来的超脱出世，两人风格的演变轨迹是近乎方向相反的，也难怪成为“冤家”了。总之，听这个卡拉扬36岁时的录音，价值远不止是猎奇，笔者就相当喜欢这个演绎。

    克纳佩兹布什指挥柏林爱乐演奏布鲁克纳《第八交响曲》（1951年现场录音，AUR 255-2），也是录音史上有名的伟大演奏。至今为止出版过的克纳指挥“布八”的录音有五次，分别是51年的柏林爱乐、55年的巴伐利亚国立乐团、61年的维也纳爱乐9（上述均是现场录音）、63年与慕尼黑爱乐的录音室和现场录音各一次。柏林爱乐这次从年份上来说是最早的，因此录音效果也难免差强人意，但从演奏来说偏偏这次又是最精彩的，真是世事难两全。

    托斯卡尼尼指挥BBC交响乐团演奏勃拉姆斯第二、第四交响曲（1938年、1935年伦敦现场录音，AUR 241-2）如果对托氏的印象仅停留于后期指挥NBC那些凌厉得有些过分的录音，听听这张CD（还有33年指挥纽约爱乐的贝多芬“第七”，可找Naxos的出版），就不会对他能成为一代宗师感到不解了。其实即使是后期的那套勃拉姆斯全集，也是相当出色的演奏了，同期他在别的录音中（如贝多芬）被人诟病的缺点在勃拉姆斯中也并不明显。不过这里三十年代的演奏是更加出色的，尤其是“第二”，在精确之中流露出的一分悠然诗意在后期录音中的确是找不到的。其实各乐章的时间并不比后期的录音慢多少，但听起来却要舒服从容得多。难得的是音质效果完全不象是30年代的交响乐现场录音，而接近40年代后期的录音室制作了。             

  （叶志超）